Ernests Šausons (1855-1899) - Poē, op.25
Čaussons bija franču komponists, kura daudzsološo karjeru saīsināja viņa agrīnā nāve 44 gadu vecumā. Pēc juridisko pētījumu pabeigšanas viņš devās studēt kompozīciju Parīzes konservatorijā pie Massenet un Franck. Līdz nāvei viņš strādāja Société Nationale de Musique - organizācijā, kas reklamē franču mūziku.
Viņa skaņdarba iznākums bija mazs, taču nozīmīgs. Viens no darbiem, kas izceļas, ir Poème vijolei un orķestrim. Šis vienas kustības darbs tika publicēts 1896. gadā pēc beļģu vijolnieces Eugène Ysaÿe pieprasījuma. Tā pamatā ir krievu rakstnieka Ivana Turgeneva dziesma “Mīlas dziesma - triumfants” (“ Le Chant de l'amour triomphant” ), kas stāsta par diviem jauniem vīriešiem, kuri iemīlēja vienu un to pašu sievieti.
Skaņdarbs sākas tumšā un drūmā noskaņojumā, un vijole ienāk ar intīmu kadenzai līdzīgu paziņojumu. Drīz vien mūzika kļūst aizrautīgāka, un vijoles daļa pārvēršas par lirisku melodiju un virtuozu fragmentu emocionālu demonstrēšanu. Vijolnieks Vincents P. Skowronski sniedza šādus padomus vijolniekiem, kuri mēģina izpildīt šo skaņdarbu:
“Poème ir ilga, grūta un jutekliski saistoša spēles pieredze, tāpēc jums ir jātaupa tik daudz enerģijas, cik varat. Pavadiet tik daudz enerģijas, cik spēj jūsu kaleidoskopiskā palete, jo reti kad jūs saņemat iespēju brīvi darboties ar tik lielu vijoles krāšņumu. ”
Vadims Repins spēlē Šausona Poème
Ralfs Vaughans Viljamss (1872-1958) - Augošā dzirkstele
The Lark Ascending (1881) ir Džordža Meridita dzejolis, kas stāsta par debesskrāpja dziesmu, kas dzied debesu dziesmu. Tas iedvesmoja Vaughanu Viljamsu 1914. gadā komponēt tāda paša nosaukuma skaņdarbu vijolei un klavierēm, vēlāk 1920. gadā to restartēja vijolei un orķestrim. Šis skaņdarbs bija veltīts britu vijolniecei Marijai Hallai, kuras pirmatskaņojums bija abas versijas. Kopš tā laika tas ir kļuvis populārs skaņdarbs, īpaši Lielbritānijā, kur tas tiek regulāri izpildīts.
Komponists dzejoļa rindiņas citēja sava partitūra. Mūzika ir ļoti atsaucīga un parādīja impresionisma iezīmes. Pentagonisko mērogu, režīmu un brīvi plūstošu ritmu izmantošana rada atmosfēru, kas ir cieši saistīta ar angļu ainavu. Sastādīts 1. pasaules kara laikā, mūzikas rāmums bija pretrunā ar tā laika situāciju. Šis skaņdarbs bija kļuvis par angļu stila attēlojumu laikā, kad valsts mēģināja nodibināt nacionālo identitāti.
Janīna Jansena spēlē Vaughana Viljamsa filmu “Lark Ascending”
Kamille Sent-Saensa (1835–1921) - Danse Makabre, op.40
Danse Macabre, pazīstama arī kā Nāves deja, sākotnēji bija mākslas dziesma balsij un klavierēm, kuras pamatā bija Henri Cazalis teksts. 1874. gadā Sent-Saenss to pārveidoja par skaņu poēmu orķestrim ar ievērojamu solo vijoles daļu, kuru parasti spēlēja koncertmeistars.
Mūzika sākas ar divpadsmit atkārtotām arfas notīm, kas signalizē, ka pulkstenis ir skāris pusnakti. Pēc tam solo vijole ienāk ar tritonu - mūzikā to bieži dēvē par velnu ar atvērtajām stīgām, kurās E stīgas ir noregulētas līdz E flat ( scordatura ). Mīklainās deju tēmas pēc tam tika nodotas dažādām instrumentu sekcijām ar pieaugošu intensitāti un enerģiju. Skaņdarba vidū var dzirdēt Dies Irae citātu - pieprasījumu, ko parasti dzird bērēs. Beigās skaņdarbs pēkšņi mainās ar obojas motīvu, kas atgādina gaiļa vārnu, un tam seko mierīga melodija galvenajā taustiņā, ko spēlē solo vijole, kas liek domāt, ka rītausma brūk.
Saint-Saëns - Danse Macabre, op 40
Leonards Bernsteins (1918–1990) - serenāde pēc Platona simpozija
Bernsteina serenāde pēc Platona simpozija tika komponēta solo vijolei, stīgām, arfai un sitaminstrumentiem 1954. gadā. To var uzskatīt par piecu kustību koncertu vijolei. Simpozijs ir Platona filozofisks teksts, kurā attēlots ievērojamu vīriešu grupas izdomāts dialogs par mīlestības tēmu. Bernsteins nosauca katru savas mūzikas sadaļu simpozija runātājam.
Koussevitzky fonds pasūtīja šo darbu, un Bernstein vadīja pirmizrādi 1954. gadā, kad solists bija Īzaks Sterns. Tas ir neticami izaicinošs gan vijolniekam, gan orķestrim tā bieži mainīgā metru un neparedzētā ritmiskā modeļa dēļ. Bernsteina smalkums ir redzams visā partitūrā, kas tiek uzskatīta par vienu no viņa izcilākajiem koncertzāles darbiem.
Bernsteins par savu serenādi uzrakstīja šādu komentāru:
I. Phaedrus-Pausanias (Lento-Allegro): Phaedrus atklāj simpoziju ar lirisku oraciju, slavējot mīlestības dieva Erosu. (Fugato, sākusi solo vijole.) Pausanias turpina, aprakstot mīļāko un mīļoto divkosību. Tas ir izteikts klasiskā sonāte-alegro, pamatojoties uz atvērta fugato materiālu.
II. Aristophanes (Allegretto): Aristophanes šajā dialogā spēlē nevis klauna lomu, bet gan pirms gulētiešanas stāstītāja lomu, atsaucoties uz pasaku mīlas mitoloģiju.
III. Erixymachus (Presto): Ārsts runā par ķermeņa harmoniju kā zinātnisku modeli mīlestības modeļu darbībai. Šis ir ārkārtīgi īss fugato scherzo, kas radies noslēpuma un humora sajaukumā.
IV. Agathon (Adagio): Iespējams, ka viskustīgākā dialoga runa, Agathon panegyric ietver visus mīlestības spēku, šarmu un funkciju aspektus. Šī kustība ir vienkārša trīsdaļīga dziesma.
V. Sokrats – Alcibiades (Molto tenuto – Allegro molto vivace): Sokrats apraksta savu vizīti pie redzētā Diotima, citējot viņas runu par mīlestības demonoloģiju. Šī ir lēna lielāka svara ieviešana nekā jebkura no iepriekšējām kustībām un kalpo kā ļoti attīstīts Agathon kustības vidējā posma atkārtojums, tādējādi liekot domāt par slēptu sonātes formu. Slavenais Alcibiades un viņa grupas piedzērušos atmaskošanas dalībnieku pārtraukums ieceļ Allegro, kas ir pagarināts rondo garā, sākot ar uzbudinājumu līdz džigveidīgai deju mūzikai līdz priecīgām svinībām. Ja svinībās ir džeza mājiena, es ceru, ka tā netiks uztverta kā anachronistic grieķu ballīšu mūzika, bet drīzāk mūsdienu amerikāņu komponista dabiskā izpausme, kas piesātināta ar šīs bezlaicīgās vakariņu ballītes garu.
"Mākslas darbi izstrādā noteikumus; noteikumi nepadara mākslas darbus." - Klods Debisī
